Mejores Discos en lo que va de 2016

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Zayn –  Mind of Mine

zayn-mind-of-mineImpensado hace un año era estar escuchando a Zayn Malik .. Un ex-integrante de One Direction pooo! Pero bueno, si algo nos enseñó 2015 es que sin querer queriendo pusimos en nuestros reproductores un tema de Justin Bieber, el que bailamos y disfrutamos en silencio pero que luego con la frente bien en alto promocionamos como la última chupá del mate. Fin. Del mismo modo y gracias a Sorry, quizás, ya no tuve miedo de ponerle play a Mind of Mine de Zayn. Un disco exquisito que bebe sinvergüenzas del sonido de The Weeknd y de este otro tipo cómo se llama… Smith, Sam Smith, a lo mejor lo conocen… ¿Estaremos en presencia de un nuevo Timberlake post N-Sync? Esperemos que sí, porque desde ya podemos notar gran calidad en lo que está haciendo el cabro / Spotify


James Blake – The Colour In Anything

james-blake_the-colour-in-anythingLos sonidos invernales de James Blake son tan necesarios como la tristeza misma (¿Ya vieron Intensamente?). Me subí tarde al carro de James Blake, creo que ya hasta había terminado de promocionar Overgrown (2013). Pero cuando me subí, me subí bien arriba. The Colour In Anything es su último trabajo en el que afortunadamente seguimos escuchando ese sonido de tantas influencias increíbles, pero que a la vez suena tan fresco y autentico. Parece que fuera largo pero una vez que terminó solo quería darle una segunda y tercera repasada para ponerme  a ver cuáles son las mejores y oh! Sorpresa, eran muchas. Mis preferidas eso sí, son esas en donde hace loops ambientales, como en Radio Silence, Timeless o Modern Soul, o voces hipnotizantes en Points y Always. Pero como ya dije la mayoría están increíbles / Spotify


M83 – Junk

m83_junk_3600x3600-0Parecía que no pero sí. Nos gustó lo nuevo de M83. Después de una larga espera desde el magnánimo Hurry Up, We’re Dreaming (2011) mandarse un disco tan opuesto parecía un suicidio en todo el sentido de la palabra, era cosa de escuchar el single de adelanto para pensar en aquello. Sin embargo, Junk va más allá y hace una jugada única; pasa de un disco insólito y casi chocante en un principio a cercano y amado con el paso de las horas y reproducciones. ¿Quién se lo iba a imaginar? Junk no compite con su antecesor sino que se pone a la par, para no pelear si no que para coexistir. No puedo dejar de mencionar el acompañamiento sólido de la hasta ahora desconocida Mai Lan en los mejores temas del disco y el amor hecho voz de Susanne Sundfor en For The Kids / Spotify


David Bowie – Blackstar

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No se puede decir nada que ya no se haya dicho de este disco. Entre ríos de tinta digital y lágrimas parece no haber rincón que no se haya analizado en Blackstar. La repentina muerte de un artista de la talla de  David Bowie, a solo un par de día de lanzar el disco solo agiganta su imagen y parece no haber muchas razones que dar para escuchar una obra tan perfecta como Blackstar, llena de matices, genialidad y perpetuidad. Mi favorita: Girl Loves Me / Spotify

OTROS DISCOS RIQUITOS

 

 

Mejores Discos 2015

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Preámbulo casi inutil

Como cada año trato de estar al día en los discos y las cosas que puedo escribir sobre ellos. La verdad es que este año hubo una cantidad moderada de lanzamientos que me gustaron, pero los que hubo dieron harto jugo y les di muchas vueltas; Björk el primero del año se ganó un lugar en mi corazon de poeta, aún siendo un disco raro musicalmente. Por otra parte los discos más synth pop son siempre mi predilección, dígase; Purity Ring, Chvrches y ahora último Grimes, que son discos que me encanta escuchar, más no escribir sobre ellos porque es una sensación tan instantánea que no se puede explicar en un texto, o al menos mi educación de liceo municipal no puede.

Agregué sonidos que tenía medio abandonados, por el lado más rock como Alabama Shakes o The Vaccines que me han dado una gran sorpresa o Mac Demarco (mi nuevo protegido). Por el lado que me siento más cómodo escribiendo es en los discos en mi idioma, este año el gran Lo Nuestro de Christina Rosenvinge o el de Dënver, aunque siempre podré serle fiel a Lanita o a Briceño que se auspició este año con Dúo Niágara. 

En cuanto al orden de los discos: es alfabético o esa era la idea… la cosa es que el orden no quiere decir nada respecto a la “nota” del disco. Quizás el tamaño de las carátulas es decidora, pero al final-final mi criterio no es confiable. Hay días en los que todas las canciones me parecen fomes y repetitivas pero hay otros en los que la belleza de todo me hace desear poseer los pabellones auditivos de todo el universo que me permitieran escuchar más discos al mismo tiempo.


Alabama Shakes – Sound & Color


Si ya habían dado cátedra de cómo ser gustados por antiguas y nuevas generaciones en su trabajo anterior, con Sound & Color asistimos a la casi consagración de su estilo salvaje, bravo, potente. alabama-shakes-sound-and-colorEl Soul es suplicio, es tortura pero a la vez sexy. Brittany Howard con su banda saben cómo dotarlo de estas características; sus juegos de voces, gritos y gemidos más las terribles (en el buen sentido) guitarras que van y vienen y vuelven a aparecer con más fuerza nos hacen pensar que aunque seamos unos ignorantes sobre estos estilos podemos sentirnos extrañamente hechizados por su música por que toca la fibra y apela al dolor, la rabia, la pasión, la sensualidats y otras sensibilidades tan humanas.

Más de esto por aquí


Beach House – Depression Cherry 

Nos cuasi morimos cuando escuchamos el sonido que había tomado Beach House en Sparks, el primer single de Depression Cherry. Por fortuna ese noise, que aún no termino de tragar, estaba presente solo Depression_Cherryen ese corte, que parece casi una rareza entre tantas canciones con la tradición que nos tiene acostumbrados el mejor grupo dream pop del último tiempo. Mis favoritas Levitation, Space Song, 10:37, PPP, Wildflower que tienen ese enigmático sonido que hace pensar en una especie de código indescifrable para hacer canciones que se pasean con esa fluidez mágica capaz de calmar hasta la más avara de las ansiedades.

Beach House – Thank Your Lucky Stars

Un disco nuevo de Beach House es todo un lujo… pero DOS supera todo lo imaginable, así sentimos el precipitado anuncio de Thank You Lucky Stars que salía menos de dos meses después de Depression Cherry. ¿Era una broma? No, era mejor que una broma, era verdad. Asistimos a una de las exhibiciones más bellas del año, la continuación (aunque en rigor no es así) de un puñado de canciones que nunca me canso de escuchar. beach-house-lucky-starsEl radiante coro de She’s So Lovely con ese “Castles in the sand, Money in your hand.  And all I have to do Is everything for you” es para agarrarlo, darse por pagado y morir feliz y satisfecho. Otra patada en la mente es All Your Yeahs o las guitarras finales de One Thing como si se tratara de una excéntrica colaboración de Daft Punk, y es que parece que en los finales de las canciones se lanzaran el lomo vetado a la parrilla (luego son veganos dioh mio) porque a medida que avanza Elegy To The Void y Rough Song la cosa va tomando exquisitas texturas. Por último Somewhere Tonight con deliciosa cadencia te mueve como si fueras la bacteria del ébola infectando un indefenso cuerpo, lenta y satisfactoriamente… un manjar de  manjares. Por esto y mucho más mi favorito es Thank Your Lucky Stars por lejos.


Belle & Sebastian – Girls In Peacetime Want to Dance

Aunque la fórmula de los escoceses puede parecer agotada no es tan así. Girls In Peacetime Want to Dance guarda momentos muy destacables de frescura, como en Nobody’s Empire o Play for Today; de sorpresa combelle-and-sebastian-girls-peacetimeo en las bailables The Party Line o la mejor de todas, lejos de ser muy larga, Enter Sylvia Plath o las melodías de antaño en The Cat with the Cream. Sin ser vendedor de humo hay que decir que Belle & Sebastian hace rato que no le dan al clavo medio medio como en los lejanos noventas-dosmil pero si algo es cierto es que si no se traicionan a sí mismos y siguen trabajando tan bien y con tanta rigurosidad como hasta hoy en algunos años más escucharemos un nuevo If You’re Feeling Sinister y Belle & Sebastian volverá a ser el chicle de moda.


The Bird And The Bee – Recreational Love

32690-recreational-loveTBATB son como la brisa fresca en medio del calor californiano, ese que nos venden en los filmes hollywoodenses… Bueno, nunca he estado en California pero sí en la playa popular de donde vivo y debe ser algo parecido, supongo. A lo que iba con todo esto es que lo fugaz y volátil del verano puede ser perpetuado con canciones como las de Recreatinal Love, hechas para disfrutar del momento, sin más afán que el de gozar y ser parte de una sensación colectiva de inmortalidad mentirosa tras esos lentes onderos, olor a protector solar y como música de fondo su Young and Dumb o un Los Angeles ¡Vamos! Todos lo necesitamos, todos lo disfrutamos.


Björk – Vulnicura

b1a49d00Después de 7 discos de estudios (8 si contamos el que grabó cuando tenía 11 años) y un sinfín de rarezas llega a nuestros computadores Vulincura, un disco accidentado, víctima de una de las más emblemáticas filtraciones del último tiempo. Fue producido por el venezolano, Alejandro Ghersi, más conocido como Arca que como ya todos saben ha trabajado para el disco de FKA twigs y el Yeezus de Kanye West y de quien Bjork contó hace un tiempo para Pitchfork que a pesar de sus primeras reticencias a trabajar con gente tan fan de ella, logró una conexión perfecta con el latino que dio en el clavo en la musicalización de los sentimientos de cada canción. Con las repeticiones y el examen de las letras, el álbum va tomando vida y aprecio por parte del oyente. Sin ser un gran fan de Björk entusiasma el hecho de conocer mediante sus más recientes composiciones a una mujer tan esquiva y hermética pero que ha dedicado su vida a la más sincera de sus pasiones, hacer música.

Análisis completo acá


Camila Moreno – Mala Madre

Es difícil escuchar a Camila Moreno intentando desmarcarla del folk chileno camilamoreno3pasado por el filtro Björk. Sí, son etiquetas y hay etiquetas difíciles de quitar. Eso mismo es lo que hace pensar a Mala Madre como un disco más maduro en composición, como tratando de desmarcarse un poco de todo lo antes dicho pero sin ser insidioso ni maquinado para ese fin. Por ese lado gana Camila, porque a pesar de no abandonar la explosividad, incursiona en el uso de pigmentos electrónicos y  deja un poco de lado la guitarra de palo, que pasa a ser un instrumento ocasional y casi circunstancial. En ese mismo orden aparece el desenfado de Tu Mamá te Mató y Libre y Estúpidos pero también la belleza de sensatez en Sin Mi, Piedad y Julia. Equilibrio.


Champs – Vamala


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El descubrimiento  —gracias a San Spotify— de Champs fue una de las primeras emociones del año. Encontrar a estas alturas de la vida una nueva banda que exija un espacio en los favoritos de tu corazón es realmente un milagro, que demuestra entre otras cosas que ser fanático de la música es algo que constantemente de dará alegrías. El sonido de Vamala se la juega por el pop de cámara, o sea, con instrumentación clásica como en Sophia (insuperable), Forever Be Upstanding By Your Door o Balfron Tower, un marcado sentido folk en Roll Me Out que recuerda a Simon & Garfunkel y al Bob Dylan del The Freewheelin’.  Además de una mezcla de todo lo anterior en Vamala o Desire. Voces melodiosas y nostálgicas que juegan con el falsete y y nos recuerdan momentos ya vividos, en una especie de soundtrack de vida retroactivo.


Christina Rosenvinge – Lo Nuestro


lo-nuestroLo Nuestro, si bien, propone un cambio en el sonido de la madrileña, tiene episodios conciliadores y espacios luminosos increíbles, cajas de ritmos, guitarras acústicas pianos y destellos disonantes y cacofónicos. Las letras son inquietantes pero se acercan mucho a la perfección lírica en la descripción de esos temas pocos tratados en la música, y mucho menos en el pop. En síntesis un trabajo hecho con bastante precisión y preocupación, lo cual es de agradecer, de parte de una artista que ya va en su quincuagésima (por decir algo) reinvención.

Escribí más de este disco aquí


Chvrches – Every Open Eye

chvrches-every-open-eyeChvrches, siempre fieles a sus influencias, (incluso en lo que parece ser un homenaje o reversión de esta clásica portada de New Order) quizás han errado en la forma, al menos para la prensa especializada que le llaman, y digo “al menos” porque a mi me ha parecido que Every Open Eye se ha llevado el premio al disco subvalorado del año… pero así es la crítica; un día en el cielo y al otro en el suelo. Aunque si somos sinceros es un álbum poco jugado, y esto pretendía al decir que eran fieles a su estilo o influencias. El poco sentido de la innovacion respecto a su anterior trabajo (The Bones of What You Believe 2013) puede ser su mayor debilidad… dependiendo del prisma en que se mire ya que para los más amantes de aquel perfecto trabajo de 2013, este se convierte en la nueva delicia del año. Incluso High Enough To Carry You Over no cantado por Lauren Mayberry tiene buena pinta. Paying Dead es robusta y agresiva pero a ratos te acaricia tiernamente. Empty Threat, mi favorita del álbum no deja un momento de respiro, te invita al baile o a correr sin cansarte. Insuperable el in crescendo de Clearest Blue al estilo de Theter. Luego están las ya clásicas  Never Ending CirclesLeave a TraceKeep You on My Side y casi todas, así que si andamos pendientes de lo que dice la crítica, especializada jovencitos, nos perderemos discos como este.


Deerhunter – Fading Frontier

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Que es difícil justificar por qué a uno le gusta algo, como cierta comida, usar bigote o un disco de Deerhunter, seguro que toca alguna fibra, hace reaccionar algún químico en el cerebro, no sé. Tendríamos que hacer estudios de estadísticas con cablecitos en el cuerpo o ser científicos, biólogos o qué se yo. A lo mejor es bueno que no lo sepamos nunca, así no le quitamos el velo a esa emoción tan pura, casi infantil de oír algo que nos gusta. Algo como las guitarras soñadoras y a ratos emotivas, la batería extrañamente optimista y la peculiar voz que sale de esa reducida caja torácica.


Dënver – Sangre Cita

dc38bnver-portadaDe las musicas chilenas los Dënver eran mis favoritos, ese Música Gramática Gimnasia del 2010 (hay que ver lo viejo que estamos) no lo puedo superar. Después de un correcto Fuera De Campo (2013), Milton y Mariana que han envejecido como nosotros, se han puesto a hacer cosas de grandes, y se han puesto sucios y perversos, de la misma forma que antes quizás, pero ahora ya sin restringirse en nada. Muchas de estas nuevas canciones van en esa dirección y en lo personal no han sido de todo mi agrado. Iguals hay temas re buenos, como Noche Profunda, que es lo más oscurito que hemos escuchado de Dënver, muy en el estilo de las composiciones solistas de Milton Mahan como Nva Orleans (Las caras de la muerte (2013)). De ahí saltamos al opuesto, con Al Fondo del Barro un tema de estandarte pop bailable y disco absoluto sobre ser rechazado y nunca saber lo que es ser amado. Bola Disco, más melodiosa, recuerda los inicios de Dënver, esos influenciados por La Casa Azúl y el pop español en general, que a estas alturas suena añejo, pero aún inolvidable. Mariana es más protagonista en este disco y se hace patente en varios temas. Su sensualidad ingenua en La última canción, que podría ser perfectamente cantada junto a Juliana Gattas por ese estilo tan marcadamente Miranda! en la melodía del tema. Por otra parte juguetona y coqueta se nos pone en Yo para ti no soy nadie aunque después como que cansa un poco el tema. En La Lava vuelve esa oscuridad encantadora con esos sonidos como de Tear For Fears y Talk Talk. Miguel Bosé a modo de aparición en Los Vampiros, en una canción que no da espacio para caer en la tristeza absoluta. Todo  termina con el experimento llamado Sangrecita, que aún no termino de definir si es muy bacan o un broma, así como tampoco encuentro la parte donde cantaría PedroPiedra. Al final igual estoy prendado para siempre a Dënver, a menos que me defraudara al nivel de Gepe y siempre tendré que hablar de sus discos porque es como el primer amor diría yo.


Everything Everything – Get To Heaven

everythingeverythinggettoheavenartwork2015750El espíritu de las canciones de Everything Everything siempre es avasallador y enérgico capaz de subirte el ánimo a las nubes. Y si eres de las personas que porta armas de alguna especie, das vueltas autos o chocas motos entonces es un disco que amarás. O quizás no, y soy yo el que tiene una vida muy pacífica y sin sobresaltos. Pero no me vengan a negar que To The Blade es bien ruda o que Distant Past y Blast Doors no dejan espacio para ponerse pajarón. Igual después como que el disco se va poniendo más cariñooooso y te deja hasta corearlo en Regret o Spring / Sun / Winter / Dread y que bacan es lo que hicieron con los tempos de la canción y la melodía en No Reptiles. Yo le doy veinte dolce vitas y un Palomita Blanca.

Mención especial para la portada, con un ilustración del un neozelandés seco, Andrew Archer.

 


 

Mac Demarco – Another One

11183_JKTEstuve a puuunto de ir a ver Mac Demarco a Primavera Fauna pero me tuve que quedar con las ganas, piola y mirando el streaming de Movistar… al menos. Una de las cosas que más deseaba era recibir en vivo y en directo esa buena onda que Mac transmite en sus discos, quería irme en la volá, como dicen los lolos de los 90. Himnos del relajo post día maldito en la pega, la escuela o lo que sea. Las guitarra de canciones como Another One o A Heart Like Hers guardan su lado creepy y tenebroso con esos riff de guitarra cansada y estirada, muy amigas de otro raritos, Connan Mockasin y Daniel Johnston. Aunque siendo bien sinceros, siempre vamos a querer los discos de Mac, aunque no tengamos mucho que picarle porque es como si el amigo más buena onda que tengas se ponga a cantar canciones en las juntas, siempre terminas haciéndole caso y te unes en los coros.


Lana Del Rey – Honeymoon

lana-del-rey-honeymoon-album-1440206077Soy un Lanalover, lo asumo y salgo del closet Lana aquí y ahora. Es que cómo no amarla, y cuando uno ama transforma todo lo que la otra persona hace en algo positivo aunque sea la cosa más inútil y aburrida. Honeymoon, aunque más errático que Ultraviolence, tiene tremendísimas canciones hechas para llorar democion. La misma que da nombre al disco, podría hacer dormir a cualquier mortal pero a mí me parece una compleja pieza con tiempos definidos y hermosos momentos, como la marcha a partir de la tercera estrofa y el cambio sutil que da paso al scatting final. O God Knows I Tried que tiene esa cadencia dolorosa de canto góspel en plena época de esclavitud. Los saxos sensuales de Terrence Loves You. La incorporación de instrumentos que le aportan jazz y swing a 24 antes de un abrupto final. Impecables Art Deco, High By The Beach, Music To Watch Boys To, The Blackest Day y mi favorita, Salvatore, que en mi mente es donde Lana tiene una romántica y peligrosa cita con un Corleone tomandose un gelato al cioccolato. Si me ayudan con un suspiro seguro podría estar todo un día hablando de Honeymoon y toda una vida de Lana.


Sufjan Stevens – Carrie & Lowell


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Carrie & Lowell es un disco que trata sobre las vivencias  de Sufjan con su madre, Carrie, que lo abandonó cuando él tenía solo un año. Y es por eso que la relación de Sufjan con ella tiene más de tristezas que de alegrías, una relación que se limitaba a encuentros aislados y escasa comunicación mediante una que otra carta. Y mientras él temía poder padecer los mismos males de su madre, ella muere. Pero él pasa a acompañarla en sus últimos días de agonía, encuentro mediado por su padrastro, Lowell. Es por eso; el remezón, la sacudida emocional, que nacieron las canciones que dan delicada forma este disco, fabricado con tierna artesanía, como con los dedos de una persona sobrecogedoramente  frágil, de sensibilidad atípica y sutileza conmovedora. Su belleza y encanto quiebran y nos hace poner los pies en la tierra para darnos cuenta de lo tontos que hemos sido al dejar de ver a nuestra familia, abrazar a nuestros padres, hermanos y amigos más seguido.

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Miami Horror – All Posible Futures

 

miamihorror_allpossiblefutures-1500x1500-rgbUn disco que gana en atmósferas y teclados y por lo mismo en los puentes en los que estos son protagonistas. Bailable a más no poder hasta el punto de recordar al Michael Jackson más disco en canciones como Love Like Mine que parece que en cualquier momento van a frasear mamasse mamuhsa memaht husah. Cellophane otra pieza de sofisticada pista de baile. Muy conscientes de la música disco, Another rise, another fall es tan ELO que dan ganas de subirse a una estación espacial. Who is gonna save us? es un in crescendo que se desata magníficamente, tal como mi favorita del disco, Forever Ever?… siempre mis favoritas son las del final, me gustan los finales de discos, históricamente. Debe ser que me es satisfactoria la sensación melancólica del fin de un algo. Otras buenas: American Dream / Wild Motion (Set It Free) / All It Ever Was / Real Slow. Ya les dije la extención del texto no habla de la calidad del disco. Este está bueno, pero bueno-bueno.


Dúo Niágara – Dúo Niágara

DUO NIAGARALa vida de una Briceñora es más dura que la cara de Sergio Jadue. Hay que aguantar las críticas de los que dicen que Cristobal no es talentoso, que su voz es como la de Bosé o Juanga, como si eso fuera malo, si es bacan. Y como si todo este padecimiento fuera poco el niño se porta mal, viene y trata como el ajo a la gente por feis y le dice que googleen y no anden haciendo preguntas tontas, penseque amigo del tonteque y todo eso. Cuesta defender a alguien tan así cachai? Pero nimporta, una Briceñora se siente pagada cuando salen canciones nuevas de Cristobal, sean como sean y las haga con el compañero que quiera, porque además de todo lo anterior una Briceñora le agradece que sea un promiscuo de la música y sea capaz de mantener ocho o nueve casas, o sea, proyectos musicales. Dúo Niágara, el último que ha salido hasta el momento de escribir esto,contiene canciones con el inconfundible estilo de contar sus historias como en Escultores en la parroquia que es invitación a saquear las reliquias de una iglesia, la frase final es decidora “tienes que rebuscarte cuando odias los Fondart”; escultores buscando financiamiento de la forma menos politicamente correcta para hacer la más absurdas de las esculturas en la más ciudad random del país. Un nuevo paseo por Santiago en Frente a un mural. El raro romanticismo de Briceño en la ya clásica Ojitos de marihuanera… y así, otra delicia para los Briceñolovers. Ojo con el track oculto al final, Briceño experimentals.


Grimes – Art Angels

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No sé mucho de Grimes, lo que mueve ni lo que come para hacer lo que hace pero cuando Art Angels comenzó a sonar en mis oídos fue como una demolición, de verdad. Hace tiempo no había llegado a mí un disco tan de impacto como este. A veces te da rabia y te llega a molestar de lo ruidoso que puede ser pero a la vez eso mismo tiene un extraño atractivo y un inevitable adicción, algo así como lo que me pasó cuando escuchábamos el debut de Crystal Castles. Art Angles es un disco con un pulso increíble, que va dando más de sí con cada elección y repetición que se le va haciendo. Favoritas, casi todas. favorita de favoritas, Butterfly.


Purity Ring – Another Eternity 

anothereternityEste disco no sé venderlo pero ándate cabrito que está bueno, quizás más que algunos de los que escribí mucho. Borren todo lo que dije y escuchen esto o morirán. Eso no más les digo.

Palabras que se me ocurren mientras lo oigo: elegancia, simetría, perfección. No soy muy bueno con las palabras.


Natalia Lafourcade – Hasta La Raíz

portadaUn disco que lo compuso mientras trabajaba y promocionaba su anterior álbum, Mujer Divina  (2012) el exquisito tributo a la leyenda de la música latina, Agustín Lara. En Hasta La Raiz Lafourcade, escarba, extrae y rescata el folklor mexicano y latinoamericano en gran parte de su nuevo álbum, sin dejar de lado la fibra pop. La canción que da nombre disco por ejemplo es una hermosa oda a paisajes naturales y a sus fundamentos, la raíces, que guardan aquel amor que la marcó y que a pesar de haber vivido nuevas experiencias jamás olvida.  Fiel ejemplo de que no abandona el pop latinoamericano es Nunca es suficiente que tiene olor a Tormenta y ese clásico hit ochentero, Adiós chico de mi barrio o sutiles baladas como el bossanova de Para Qué Sufrir. Atrás quedaron los  sonidos de aquel En el 2000, hoy Natalia es más grande, madura, con una lucidez a ratos estremecedora en las letras pero mantieniendo la chispeza de los inicios.


Marina and The Diamonds – Froot

Algo pasa con las carreras de estas estrellas pop que no logran remontar ¿Será que están hechas para brillar pero no para todo el mundo? La situación es que a chicas como Marina les salen tremendos temas pop pero jamás de los jamases han podido salir de ese espacio, digamos pequeño llamado, pop alternativo ¿por qué? Las líneas musicales en las que se pasea no tienen mucha diferencia con un tema de pop comercial y rompe rankings. Hablemos por ejemplo de la misma FROOT, un single sublime, consecuente e inteligente en la lírica (foro buscar canciones traducidas) que exuda esplendor pop por donde se le agarre, hecho para que todo el mundo lo esté bailando como si de uno de los últimos de SIA se tratase, pero no. Solo aquellos que nos dimos el tiempo y que nos fascina descubrir sonidos fuimos capaces de captarla, atesorarla y guardarla.marina-the-diamonds-frootSobre qué es lo que le pasa a la carrera de Marina se puede especular mucho pero entrando en tierra firme este nuevo trabajo es mucho más que este single (repetimos: perfecto.) Happy, que como si hubiese sido escrita y compuesta en un universo paralelo al de Pharrel Williams, es nada menos que una balada que deja un sabor de interesante como génesis de un disco que apuesta por el baile, un tema que no hubiese caído tan bien en otra posición. O I’m Ruin, una apropiada canción pop de sofisticación con excelente elección de puentes y coros, sin abandonar los clichés del buen pop,hablo de los yeah, los uhuu, y las ahaa. Guitarras y la voz frágil en un principio y potente a medida que avanza la canción. Pienso en este album como uno muy poco valorado para lo bien hecho que se está. Eso. Fin.


Tame Impala – Currents

tame-impala-currentsDebo ser parte del último grupo (si es que existe esa división) que descubrió a Tame Impala. Y no es que antes no los ubicara, solo que no me terminaba de cerrar su música. Con Currents la cosa cambió, insisto, al menos para mí. La jugada, arriesgada, de llevar lo que hacían el siguiente temido nivel, es decir, el comercial, les salió muy buena. Los antiguos fans pueden ser muy duros al respecto, i know that feel bro, pero Currents se ha transformado en uno de los mejores discos del año para todo el mundo, casi sin baches para ser un álbum perfecto. De principio a fin sorprende por la gracia con que fue elaborado. Currents podría ser el nuevo AM (tan amado como odiado), pero AM me sirvió para mostrar la música que escucho sin que me la encuentren rarita. Me gusta Currents de principio a fin y eso es todo lo que puedo decir sin empezar a meterme innecesariamente en un bosque de análisis del que siempre me cuesta salir. Confíen en mí, es lo mejor que han escuchado en mucho tiempo. Como dice Huachimingo, Les juro que es verdad.


Tus amigos nuevos – Triunfo Moral

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Que buen título es el que se sacaron TAN. Lleno de fuerza y locura, más incluso que en No Sí Son (2013) que ya era loquillo y pasado de revoluciones. En esta se destacan los temones Jaleo con esas guitarras desenfadadas y las frases únicas, “Tenme en cuenta en tus oraciones, si es que te queda alguna. Que sigo parte de este circo pobre y no recé ningúna. Me saqué la lotería contigo”. Incansables en Paraná. O Delfin que a punta de bajo guarda mi frase favorita del año “Soy zalamero como un delfín. Estoy flameando como blusas limpias”. Más experimentales en Techno Rengo con ese delay infinito y claro, la frase final… te está saliendo sangre de la nariz, disculpa, es que aun no entiendo tu forma de quererme. Mortal. Y Acompañado del manso videoclip, Pateando Petróleo es de lo mejor con esa técnica vocal tan divertida en donde escuchamos “Que triste es siempre trabajar en lo mismo pero es más triste no poder trabajar”  o la perfecta imagen loserboy (soy un loserboy) “Si tú estás sola entonces yo no estoy solo, saberlo siempre es un triunfito moral”. Como dice la carátula, bajo ese pirigüin, Producto de Chile… al 100%. Muchos queques con manjar para Diego Lorenzini y sus amigos.


The Vaccines – English Graffiti

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English Grafitti tiene muchas buenas impresiones instantáneas, dignas de un buen disco pop. La intro ágil de Handsome a la par con 20/20, o las guitarras estilo de Arctic Monkeys en las correctas Dream Lover  y Minimal Affection, esta última haciendo observaciones a nuestra interacción con las redes sociales y los problemas que produce en nuestras relaciones de la vida real. Con la tierna y romática (All Afternoon) In Love, una de mis favoritas, vuelve el recuerdo de Arctic Monkeys como si fuera una nueva I Wanna Be Yours, otro himno futuro de amor hipster. Want You So Bad, Maybe I Could Hold You y Miracle van ganando riqueza y se vuelven más hipnóticas al ritmo de las repeticiones que se le hagan.

Más de este disco aquí


BONUS


Otros discos que me gustan demasiado pero que no tengo idea como venderlos. No tengo tanto bla bla. Esto me dejó exhausto. I got blisters on my fingers.

 The Dø – Shake Shook Shaken

Porqué nadie le hace justicia a The Dø?


Jose Gonzalez – Vestiges & Claws

Buena música, canciones perfectas que se harán inmortales como todas las canciones de José Gonzalez. Open Book, una de las más bellas del año.


San Cisco  – Gracetown

Están más grandes los cabros, si siguen en esa vía van a ganar harta platita… mmm platita.


Tobias Jesso Jr. – Goon

Este disco lo tengo en reserva para el próximo año.


The Weeknd – Beauty Behind The Madness

A años luz de la trilogía igual está bien excecutado


Paneta No – Odio

Imposible no amar el Odio de estos chilenos. Canciones repletas de vibraciones y sentimientos post adolescentes que nos acompañan por toda la vida. Seguro que me arrepentiré de no haber escrito más cosas sobre Odio.


Father John Misty – I Love You, Honeybear

Demás que si el próximo año me enamoro tomaré este disco, lo traduciré completo y le diré todos esos raros piropos a ella. Quizás me enamore solo para hacer esto. Me acordé de esa gran frase de poeta guatemalteco “no te enamoraste de mí, sino de ti cuando estás conmigo”… vah na que ver.

 

Gepe, ya no TKM

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Aviso: Este post contiene muchos entre-comillas y paréntesis explicativos y troll. No siga si se va a enojar. Porque pa qué po.

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Las masas hípsters buscan siempre estar a la vanguardia de las tendencias, hasta que, claro, se vuelve muy tendencia. Es fastidioso si nos encargamos siempre de decirle a todo el mundo que tal o cual artista ya no es lo que era, que se vendió y cosas por el estilo. Quizás en este post peque de todo lo anterior, sin embargo, es algo que por sanidad mental tenía que hacer. “Deja que lo explique, y así me lo explico yo” como dice ese gran tema de los Los Días Contados.

Si hablamos de negar a un artista, en el último tiempo como caso personal, invito al banquillo de los acusados al que llaman “Gepe”. El cantautor chileno ─otrora estandarte del indie nacional─  en sus inicios solo tocaba su guitarra de cinco cuerdas, un bombo y uno que otro instrumento de juguete, como el metalófono de colores (ternuuura). Dispuesto a retomar el folclor y llevarlo a lugar donde pertenecía, luego de años escuchando las cuecas de Los Tres y por ahí alguna canción de Los Bunkers, Gepe, sale como a salvar todo esto que se estaba perdiendo en un Chile dado a las tocatas rock y si no era rock no era nada. Me declaré muchas veces bebedor empedernido de sus versos, los mismos que hoy veo con suspicacia, como no creyendo haber sido fan de tanta simplonería lírica. Una vez leí por ahí que las letras de Gepe eran como las de Juanes pero no quise ver la realidad. Hoy, Gepe se pasó a otro estilo totalmente diferente, aunque debemos reconocer que dijo “agua va”… otra cosa es que muchos no nos hayamos querido dar cuenta.

Si analizamos un poco los discos, sus singles y sus no singles podemos sacar ciertas conclusiones interesantes y concluyentes respecto al declive (o ascenso según como se le mire) de yepe, como le dicen los viejos de la radio.

CERO: 5×5 (2005) El EP de partida, una rareza única. Conjunto de siete maquetas con dos minutos y medio promedio por canción, de las que, en su primer LP rescatará Namas. Sonido en su estado más puro a canción campesina, a tonada. Muy mal grabados a ratos, pero con esa esencia naíf peculiar de los inicios. Pero también de la precariedad, de la pobreza de equipamientos, mas no del arte, destreza ni talento. Las más interesantes; la que da nombre al EP y Nahuel.

“Se puede morir tranquilo siendo un número 5. No me tení paciencia es que hay que inventar. Es que hay que inventar aunque parezca imposible”  (5×5)

UNO: Gepinto (2005). El disco que grabó casi casi íntegramente en su pieza (o eso se cuenta). Ese que hace unas semanas solamente, cumplió 10 años. Un álbum que, de culto a estas alturas, tenía como máxima expresión de la alegría, júbilo y entusiasmo las palmas de uno que otro tema o más bien tres; de abajo pa’rriba, Namas, Multiplicación y la más “desatada” La Enfermedad de los Ojos (según parece, por ahí parte todo). Canciones inspiradas desde ese mismo momento en sonidos andinos y folclor chileno, pero en un sentido inmensamente más puro que el que pregona hoy. Sonidos que, en su momento hicieron identificarlo con las composiciones de Violeta Parra y Margot Loyola. Fuera de leseo, Gepinto esconde joyas, que quizás nunca más podamos encontrar en otro artista, porque también encapsula un momento único en nuestra rara historia musical, como en Los Barcos, Los Trapenses, y Torremolinos, deliciosos momentos de renovada canción campesina, pero también de la belleza triste y rara, como en Vacaciones.  Gepinto vino a demostrar que se pueden fusionar sonoridades tan dispares como las bandas que escucha un adolescente, con las composiciones espontaneas de cantores chilenos; esos que interpretaban coplas sobre la tierra, compases de tres tiempo sobre el sufrimiento, el amor… la picardía, sobre llegar en barcos después de largo tiempo y ver Chiloé, su iglesía, su gente, el curanto.

“Escribí que vi tu mano y después no la vi. Escribí que tengo algo pa’ decirte a ti, Escribí tus ojos anchos. Escribí que vi tu mano y la hace caer. Escribí que tú eres oro y comía miel. Escribí tus ojos anchos, con tus manos negras” (Torremolinos)

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en esa época muy amigo de Javiera Mena, gordito y con chalecos de mi tata.

DOS: Hungría (2007). Trabajo que lo puso en la boca de más personas y que trae como novedad el hecho de integrar la electrónica (en Gepinto igual pero muy solapada). Me atrevo a decir que con Hungría, se refresca el sonido de la música chilena, ya que no se había hecho algo así en nuestro país. Lo más probable es que podamos identificar desde aquí el punto partida de esta seguidilla de artistas que empezaron a fusionar la acústica con los tintes electrónicos, o al menos Gepe es la cara visible de todo aquello. Hungría, a pesar de su nueva veta “artificial”, mantiene intacto en muchas partes la canción de autor, íntima y poética. Las letras evolucionan comienzan sutilmente a despojarse de complejidad. Los más exigentes marcan desde aquí el punto en que Gepe dejó de ser “chevere” (repudio a esa expresión). Hungría, el quiebre.

“Ultra atrasado parte el recado que te doy en la siesta, quisiera tanto hablar de que nos molesta, diciendo que todo no se dio” (Celosía)

TRES: Audiovisión (2010). Otros esperaron hasta aquí para marginarse del fenómeno Gepe. Las composiciones se volvieron de plano alegres y menos crípticas. Por la Ventana es la imagen vívida de este nuevo estilo que ya se podía advertir. Incluso físicamente; Gepe comienza a bajar de peso, y como dice él a “experimentar con marcas”; se hace “embajador” de Foster y parece que se le vino encima un mundo al que siempre quiso pertenecer, y que sigue negando, ese de luces y fama. En sí Audiovision tiene mucho menos de  canción personal y mucho de música andina y saya pero sin abandonar lo electrónico, es por eso que en este episodio convergen muchos seguidores, un punto de inflexión y cambio, donde terminan y partes muchos caminos, el disco de transición que le llaman. Mis favoritas de este son Salón Nacional con Jorge González (una rareza de aquellas), Lienza con su fiel socia Javiera Mena y  La Bajada puramente andina y baile saya, con diablada incluida. Como dato extra: Por estas épocas Gepe se vuelve parte del elenco de Crystal Fairy, la película de Sebastián Silva que grabó en el norte de Chile Michael Cera y Gaby Hoffmann, en donde hace de sí mismo en una fiesta cuica de Santiago Centro, nada menos que jalando coca, así tal cual. En volá Gepe hace su siguiente disco, luego de descubrir un mundo nuevo y fácil.

“Deja la ventana abierta para que puedas tirar, todas las cosas que sobren que se tienen que botar, algo de la ropa sucia que ya no quiere lavar” (Por La Ventana)

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Siempre quise ser famoso

CUATRO: GP (2012). Aquí Gepe, en la pitilla de flaco (en la churri), se compra las icónicas chaquetas de la declaración definitiva del cambio (como las chaquetas rojas del gobierno de piñieri), con motivos étnicos y poniendo en práctica lo que aprendió con Foster, se pone posero en las fotos. Es invitado al Festival de Viña (momento que soñamos en este blog por aquellas épocas), dando declaraciones de dudosa naturaleza “Si yo hiciera lo que realmente quisiera, haría algo parecido a lo que hace Daddy Yankee” más su nuevo caballito de batallas, “el té calentito”. Sumémosle Con Un Solo Zapato No Se Puede Caminar, que hacía presagiar la debacle ineludible (no sé cómo no lo vi antes.., era tan obvio). Igual como una Shakira que en sus inicios hacia canción “con contenido” y  hoy se limita a repetir la la las, Gepe simplifica las letras a un grado infantil irrisorio (Cuando estás en la naturaleza un bicho puede picarte, un león puede comerte y hacerte desaparecer (claro si un león te come te hace desaparecer, simple) y le pone su cuota de reggaetón que aún podíamos consumir, porque parecían guiños simpáticos a la música bailable. Con Platina y Bomba Chaya mantiene el espíritu de La Bajada y 12 Minerales, y con Un Gran Vacío, la canción íntima, salvando un poco el disco.

“Bacan tu casa, bacan todo lo que hay ahí” (Bacan Tu Casa)

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La chaqueta étnica

CINCO: Estilo Libre (2015). Después de que saliera Hambre como primer single de adelanto para el nuevo disco era muy obvio el giro completo que había terminado de dar. La canción pegote, y la música que invita al baile. Con Estilo Libre ya no solo se remite al baile andino sino también a la bachata, el reggaeton y la salsa. Algunas simplemente insufribles como Marinero Capitan, TKM, Melipilla, Invierno y Vivir  que incursiona en el dubstep (?) junto a Javiera Mena, que casi se limita a gritar repitiendo las líneas de Gepe. Joyitas como A La Noche (a.k.a. Hoy Día La Fiesta) con ese “ahora te voy a poner a gozal” o en “Melipilla perdí la silla donde me quería sentar” (tutorial para hacer canciones con refranes del colegio, estilo ‘con permisito dijo monchito ’ y ‘cacha mal paga doble’). Ahora Gepe tendrá un club de fans que se llamará los gepitos y las gepitas, de aquí al étcito.

 “Yo quiero que tu boca se pegue a la mía como un chicle nuevo” (Hambre)

ALGUNAS PRUEBAS CONCLUSIVAS:

En el video promocional para Estilo Libre salen todos hablando de él como si se hubiesen encerrado a componer el nuevo Sgt Pepper. Así lo venden, sin compasión y además Gepe se manda además la siguiente frase:

“eso es lo que yo quiero atacar, la sensibilidad de las personas que no son tan obsesivas con la música, que para ellas es una cosa que pasa, una cosa más en la vida de esas personas”

Y en esta entrevista de La Tercera dijo:

“porque ahora le hago menos caso al instinto, encuentro menos sagrado el hecho de hacer letras desde la inspiración”

En Punto Final dice “todo lo que eres y todo lo que soy es lo mismo del principio” y tal vez sea esa la verdad, Gepe siempre quiso ser lo que es hoy, un incipiente artista famoso y comercial ligado a teleseries, grandes festivales y publicidad. Antes no pudo porque no había dinero, no había contactos.

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Christián Heyne. Productor fiel y vocalista de Alabama Shakes xD

Con todo esto: lo evidente y lo más allá de lo evidente se nota que Gepe no tiene interés en volver atrás en este proceder que tomó. Está como encandilado con las lucecitas. Pero se va a mandar un porrazo cuando nadie lo quiera y ahí lo quiero ver sacándolo la sexta cuerda a la guitarra y comprando un metalófono en Meiggs.

Como última cosa: Solo esperar a que salga el disco de “tres sonidos. Bombo y chao” que promete muy extrañamente en la entrevista de La Tercera, después de deshacerse hablando de que el actual era su estilo definitivo… Otsea, Desambiguación y compartir ubicación amico.

Mis Discos: Sufjan Stevens – Carrie & Lowell (2015)

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Seríamos muy egoístas si dejáramos pasar la oportunidad de consolar a alguien que está llorando (por el motivo que sea) en medio de la calle, en el banco de una plaza o en la fila de las compras. Lo menos que podemos es detenernos a preguntar si necesita ayuda o si quizás solo quisiera desahogarse contándonos la causa de su tristeza. Seríamos egoístas si pasáramos por alto también un disco escrito y compuesto con tal fuerza emotiva como la que carga Carrie & Lowell. La familia, sea como sea, es familia y pesa, y duele, a veces mucho. Sufjan Stevens, el prolífico músico que la mayoría ignora esta vez no merece ser desatendido.

Como ya es sabido Carrie & Lowell es un disco que trata sobre sus vivencias con una madre ausente. Carrie, sufría de trastorno bipolar, esquizofrenia y depresión, las cuales se agravaban debido a una evidente dependencia al alcohol y a ciertas drogas. Una madre que lo abandonó cuando él tenía solo un año. Y es por eso que la relación de Sufjan con ella tiene más de tristezas que de alegrías, una relación que se limitaba a encuentros aislados y escasa comunicación mediante una que otra carta. Y mientras él temía poder padecer los mismos males de su madre, ella muere. Pero él pasa a acompañarla en sus últimos días de agonía, encuentro mediado por su padrastro, Lowell, a quien también rinde homenaje el disco, en una especie de terapia de sanación, de compresión y perdón.

Es por eso; el remezón, la sacudida emocional, que nacieron las canciones que dan delicada forma este disco, fabricado con tierna artesanía, como con los dedos de una persona sobrecogedoramente  frágil, de sensibilidad atípica y sutileza conmovedora. Su belleza y encanto quiebran y nos hace poner los pies en la tierra para darnos cuenta de lo tontos que hemos sido al dejar de ver a nuestra familia, abrazar a nuestros padres, hermanos y amigos más seguido.

Nada más empezar a escucharlo se me vienen a la mente bandas melódicas de los sesentas como Simon&Garfunkel, Everly Brothers, The Byrds, Donovan, Cat Stevens… volviendo a los orígenes más primitivos del folk bien hecho. El origen digo, porque en Carrie & Lowell  es como si todos los sonidos fueran procesados desde un lugar de germinación inmaculado, impoluto, limpio, puro; un templo, la profundidad del mar… o el vientre materno. Con la permanencia inmarcesible del amor filial. Desde ahí descubrimos banjos, guitarras, ukeleles, pianos y mínimos arreglos electrónicos, como respetando la memoria de los muertos… sin estridencia, casi tocándolos.

Carrie & Lowell parece un disco de guarda, escasamente instrumental. Sin caer en el melodrama característico de este tipo de cortes, es un disco contemplativo que nos exhortar a detenernos y pensar en perdonar…  en pedir perdón; en reconocer que las desavenencias que podamos tener con personas tan ineludiblemente cercanas tienen un fin; el momento justo antes de que uno de los dos muere. Una instancia de indulto y olvido, como para liberar a todas las partes del conflicto, los que mueren y los que le sobreviven. Por eso Carrie & Lowell  es una de las piezas más delicadas y exquisitas del año. Si es que no la más.

Apuntes para guía preliminar de canciones 2015 (Segunda parte)

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Seguimos intentando cumplir este cometido imposible de elegir y reseñar las canciones que nos han gustado este año. Es un avance que ya tengamos cinco. Así que aquí viene la segunda entrega con mucho cariño y artesanía del corazón. 


LA PRIMERA ENTREGA AQUÍ


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6. Los Días Contados – Recuerdo Confuso

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Juan Pablo Abalo, de profesión musical docta, además de arreglista y productor, parece ser un nombre desconocido en la escena musical nacional pero tiene dos de los discos más interesantes de la última década en Chile. Primero, Canciones de Misa (2012) un mini LP plagado de un sonido triste, denso e intimista, amenizando las conversaciones retorcidas de un “pastor” y un joven feligrés cercano a la iglesia, en referencia al destape del caso Karadima y bueno, tantos otros. Después vino Como Un Animal (2014) un disco de una veta pop y cancionero romántico pero con un plus peculiar; el amor se mezcla con la pasión mal entendida, la obsesión y la crónica del crimen. Hoy junto a Luis Felipe Saavedra (The Ganjas) y Carlos Reinoso (Mostro) forman Los Días Contados, con el inminente lanzamiento de su álbum debut, Tocaciones (2015) del cual se desprende, esta sombría canción de ambiente new wave y lustre electrónico, evidentemente influenciada por el gusto de Abalo y por la mano de De Janeiros (Pablo Muñoz/Milton Mahan) sobretodo en la parte final con las exquisitas voces remixadas. Con Recuerdo Confuso nos da muchas ganas e ilusión de escuchar Tocaciones y quedamos expectantes a que sucederá con todo esto.


“Tu vida es un recuerdo confuso”

7. Champs – Vamala

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Tras a penas haber debutado el año pasado, el dúo inglés de hermanos vuelven a la carga con nuevo trabajo, esta vez se titula VAMALA y aunque optan por mantenerse por la misma vía notamos un cambio hacia un sonido un tanto más pop, mantienen la sutileza del falsete y el piano en busca de un nicho más dramático pero bailable. El mismo tema que da nombre al disco, es un pieza con toques de batería muy marcado, con un sonido melodioso, las voces transmiten nostalgia y habla de una duda llamada Vamala, una especie de lugar o más bien instante en la vida y se pregunta si es real o si solo está en su mente.


“Tell me, tell me is it real Vamala?”

8. Alpine – Foolish

Alpine's new album, Yuck, comes out June 16.

El desconocido sexteto australiano vuelve con un disco titulado Yuck y destaca de este, el tema Foolish a la primera. Una canción ligera e intimista que llega hasta el corazón del más duro. La sutileza del canto de Phoebe Baker y el ritmo relajado y sensual transporta por unos minutos a un mundo lleno de aires, nubes, colores pastel y suavidad. Tal como capta muy bien la idea el videoclip oficial.


“Do ya, do ya, do ya, do ya?”

9. Alabama Shakes – Don’t Wanna Fight

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Hemos hablado anteriormente de la brutalidad (en el buen sentido) de las composiciones de Alabama Shakes, que es una singularidad en medio de toneladas de bandas que abusan del sintetizador y los beats electrónicos. Son como una zona de descanso, una vuelta de tuerca a la saturación de lo artificial e industrializado, un volver al pasado y encantarse con la música primaria y autentica. Y bueno, es algo de agradecer que cada cierto tiempo salgan gente como Brittany Howard y sus chicos que sean capaces de encantarnos nuevamente con algo que parecía haber muerto hace décadas. Sería también una brutalidad (en todo el mal sentido) que ignoráramos canciones tan de las tripas como Don’t Wanna Fight por que Alabama Shakes sí que saben de vieja escuela.


“My life, your life, don’t cross them lines”

10. Natalia Lafourcade – Hasta la Raíz

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Lejos de los sonidos de aquel En el 2000, Lafourcade, que confesó la dificultad que le supuso volver a escribir, hoy escarba, extrae y  rescata el folklor mexicano y latinoamericano en gran parte de su nuevo álbum, sin dejar de lado la fibra pop. Hasta La Raiz (2015) lo compuso mientras trabajaba y promocionaba su anterior álbum, Mujer Divina  (2012) el exquisito tributo a la leyenda de la música latina, Agustín Lara. La canción que da nombre disco, fue escrita junto a Leonel García, ex Sin Bandera (esa curiosa banda que de alguna manera muy especial se desmarcaba de lo repetitivo que eran los otros artistas del genero romántico) y es una hermosa oda lírica a paisajes naturales y a sus fundamentos, la raíces, que guardan aquel amor que la marcó y que a pesar de haber vivido nuevas experiencias jamás olvida.


“Yo te llevo dentro, hasta la raíz. Y por más que crezca, vas a estar aquí”

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Pronto la tercera parte…

Apuntes para guía preliminar de canciones 2015 (Primera parte)

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Hay un sentimiento que deberíamos saber nombrar de alguna forma; cuando crees que debes hacer algo, una tarea, un trabajo que a nadie le importa, solo a ti, y que una vez que lo hagas te sentirás notablemente satisfecho. Eso es lo que me pasa con todos estos rankings personales de canciones y discos del año, con cada lanzamiento nuevo estoy más lejos de cumplir mi misión en la vida (ok, no es esa mi misión en la vida pero de alguna forma me obsesiona).

Para equiparar un poco el asunto les presento a continuación una selección antojadiza y sin respeto por singles, estilos, ni rankings; solo canciones que he encontrado buenas este año, así tal cual, sin más. Esta es la primera parte.

1. San Cisco – Snow

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Tras un tímido debut de los australianos en 2012 con su disco homónimo (2013), su incansable e infantil Awkward igual sonó en varios lugares y hasta creo habérmela pillado en un reportaje de Mega (otsea). Estos tres años le han hecho bien al grupito, pues, su sonido mejoró y maduró bastante con Gracetown (2015). Mezclando el indie rock con synth pero también con algo de soul y hip-hop, en ocasiones parecidos a Portugal. The Man, es un disco que promete ganar adeptos a medida que se hace conocido. Snow tiene un poderoso espíritu bailable y coro pegajoso (jugando con las palabras snow y i know) habla de forma liviana y entretenida sobre el amor a distancia y el encuentro en diferentes países para mantener viva la llama del amor.

Nota: Ojo con otros tema del mismo álbum como Run y Jealousy


“I know you, I know you, better than that”

2. Pedropiedra – La balada de J. Gonzalez

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La mayoría de las veces estas canciones homenaje repelen. Pedropiedra, sin embargo, con el nuevo single tributo a Jorge González tapa bocas. Una vez más demostrando, de a poquito, muy piola pero a la vez con mucha fuerza y gracia, que es uno de los mejores compositores que ha parido Chile en el último tiempo (chao gepe ya no tkm). La balada de J. Gonzalez es una canción simpática, escrita con cariño y admiración hacia su amigo y además con buen ritmo de instrumentación andina caracterizada por la quena. La letra toma parte de la idea que describe el mismo Jorge en su más reciente álbum Trenes (específicamente en el tema Trenes, trenes, trenes), en donde se desdobla y habla de si mismo como un otro. Un sencillo obsequio puede ser el mejor cuando alguien como el ex Prisionero no está pasando por su mejor momento.


“Y en las listas de las radios nunca hubo especialista que arrancara la bandera que enterraste en nuestra espina dorsal”

3. Mac Demarco – Another One

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El buen Demarco, que a estas alturas es toda una institución en la cultura pop actual —con sus cigarros, zapatillas vans rojas y su dientes separados— cada cierto tiempo nos regala pequeñas joyas musicales que parecen ser sacadas de un casete medio cansado de ser tocado o un VHS de los noventas. Después de varios discos de estudio y un séquito de fans de su estilo este año lanza un mini LP de ocho canciones que parecen, (como todas las canciones de Mac) una broma a penas empieza pero que una vez que le damos la oportunidad se descubren grandes cosas tras esas guitarras cansadas y la baja calidad de sonido; devoción y amor por el sonoridades sinceras y cercanas. El tema Another One es un ejemplo perfecto de ello, simple pero fino, transmite quietud, como para dejar simplemente que el tiempo pase. Por algo lo grabó entre el caótico desorden de su departamento de Nueva York.


“Must be another one she loves”

4. Major Lazer & DJ Snake – Lean On (feat. MØ)

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La descabellada idea de Switch y Diplo al crear a este personaje de post-guerra-secreta-zombie es la culpable de que los dispositivos de todo el mundo, incluidos los hipsters, tengan una canción de excepción con sonidos tan marginales, que anteriormente le perdonamos a gente como M.I.A. y The Weeknd (“¿estai escuchando reggaeton ahora?” me dijo mi mamá). Lean On (otro hit descartado por Rihanna), es una canción de ritmo dancehall, dubstep y tintes orientales, especialmente en coros. Cantada por la danesa MØ (atento a sus próximos singles), Lean On se ha encargado de darnos la razón en algo que venimos advirtiendo hace un tiempo, la linea entre el indie y el mainstream se difumina cada día más.


“All we need is somebody to lean on, eeh ooh, eeh ooh, eeh ooh, eeh ooh”

5. Everything Everything – To The Blade

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El cuarteto inglés una vez más vuelve a dar señales certeras de como quiere ser reconocido. Su anterior trabajo, Arc, dejó satisfecho a muchos aunque no alcanzó posición importante en las listas de 2013. To The Blade que es la canción que abre Get to Heaven (2015), retoma los recursos habituales en cuanto a rudeza, valentía y matemática. Guitarras ruidosas y batería potente que explota en el coro, siempre con la inigualable voz de Jonathan Higgs. La canción habla supuestamente sobre ISIS y sus más recientes atrocidades en medio oriente, aunque ellos han sido bastante claros al señalar que las lecturas de sus letras dan para mucho.

Nota: Pronto hablaremos más de este gran álbum porque tiene tremendas canciones para sacar el tejido.


“In the cold arena where you’re… traaaaaaapped”

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Eso es todo por hoy, de lo bueno poco. Pronto estaré subiendo un nuevo post, para sacarme todo este taco mental que no me deja avanzar. Mientras tanto, dejo por aquí la lista de Spotify de canciones 2015 que actualizo periódicamente.

Tres discos imprescindibles en lo que va de 2015

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Aunque son bastantes los discos buenos que han recibido nuestros oídos este 2015, destaco hoy los tres que fueron instantáneos, inminentes y certeros. Con el correr de los meses quizás pueda escribir más, pero como para no perder la mala costumbre los dejo con esto:

No olvidar el perfecto Vulnicura de Björk que analizamos en profundidad y que está justo antes de este post.  Pueden leerlo aquí también.

Alabama Shakes – Sound & Color
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Antes de verlos con su impecable presentación en SNL conocía de Alabama Shakes solo de nombre. Tocó la casualidad que justo después de eso el disco estaba disponible en este mágico mundo de las descargas directas. Las primeras escuchas son cruciales para comprender su estilo, después de eso solo puedes amarlos. Sound & Color rebosa de canciones extrañas y brutales como The Greatest o la misma Don’t Wanna Fight (primer single) que habla sobre una mujer cansada de luchar por un (entendemos) matrimonio tirante y caduco. También hay espacio para el dolor y el desgarro en la petición desesperada de Gimme All Your Love y Miss You o las bellezas instantáneas de Guess Who y Future People.

Si ya habían dado cátedra de cómo ser gustados por antiguas y nuevas generaciones en su trabajo anterior, con Sound & Color asistimos a la casi consagración de su estilo salvaje, bravo, potente. El Soul es suplicio, es tortura pero a la vez sexy. Brittany Howard con su banda saben cómo dotarlo de estas características; sus juegos de voces, gritos y gemidos más las terribles (en el buen sentido) guitarras que van y vienen y vuelven a aparecer con más fuerza nos hacen sentir que aunque seamos unos ignorantes sobre estos estilos podemos sentirnos extrañamente hechizados por su música por que toca la fibra y apela al dolor, la rabia, la pasión, la sensualidats y otras sensibilidades tan humanas.

The Vaccines – English Graffiti

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Hacer música para que pegue por una temporada en la radio es un camino fácil y recurrente para los artistas mainstream del pop. Como ejercicio, si intentamos escuchar la mayoría de los hits superventas de hace unos cuatro o cinco años atrás descubriremos que son canciones que ha envejecido mal, que no guardan mérito y no sirven más que para definir una época en algún recopilatorio de recuerdos pasados.

The Vaccines apostó por algo así en English Grafitti. Un conjunto de canciones lleno de trabajos sintéticos y detalles electrónicos factibles que hacen transformar al peligroso felino de trabajos anteriores en un, a ratos, tierno gatito. Sin embargo (y aquí un gran sin embargo), estamos ante la presencia de un trabajo bastante bien logrado a pesar del peligro. Primero por el riesgo que supone para una banda indie jugar a ser estrellas del pop y perder, o al menos ofuscar,  a sus más acérrimos fans (algo similar a lo que le pasó a Arctic Monkeys con AM) y también por estar dispuestos a salir de su forma habitual de trabajar que los hacía rendir lo que se esperaba de ellos a cambio de elogios contantes. Dos forma de riesgo meritorias que nos dan una razón para ponerles una oreja nuevamente.  Lo mismo dijo Justin Young, el vocalista, para NME al respecto “La gente simplemente no es ambiciosa en la música rock. Si se toma el hip-hop o pop, son mucho más aventureros, se rompen mucho más reglas.”

English Grafitti tiene muchas buenas impresiones instantáneas, dignas de un buen disco pop. La intro ágil de Handsome a la par con 20/20, o las guitarras estilo de Arctic Monkeys en las correctas Dream Lover  y Minimal Affection, esta última haciendo observaciones sobre nuestra interacción con las redes sociales y los problemas que produce en nuestras relaciones de la vida real. Con la tierna y romática (All Afternoon) In Love, una de mis favoritas, vuelve el recuerdo de Arctic Monkeys como si fuera una nueva I Wanna Be Yours, otro himno futuro de amor hipster. Want You So Bad, Maybe I Could Hold You y Miracle van ganando riqueza y se vuelven más hipnóticas al ritmo de las repeticiones que se le hagan.

Si English Grafitti o parte de él envejece bien o no, es algo que solo el tiempo dirá. De todas maneras nos quedamos con las palabras flemáticas de Young: “Queríamos hacer algo que sonara increíble durante un año y terrible en 10 años”.

Christina Rosenvinge – Lo Nuestro

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La extensa carrera de Christina Rosenvinge (en los 90, Christina y los Subterráneos, yo por ti, tu por mi…) le ha dado de dulce, agraz y de nuevo, de muy dulce. Convirtiéndose en los últimos años, luego de su regreso a la canción en español en una especie de nueva Reina del indie español, pasando del mainstream al independiente de una forma a lo menos curiosa. Tu Labio Superior (2008) y su coronación con el magnífico pero poco valorado por las masas, La Joven Dolores de 2011, la pusieron nuevamente en las listas musicales de España y Latinoamérica, llegando incluso a Chile y cantar a dúo con Fernando Milagros para el disco San Sebastián (2012) del chileno, en uno de esos episodios raros que nos regala esta vida.

Lo Nuestro, es un disco lleno de nuevos pasajes delicados, frios, maquinados y por qué despreciar el sentimiento, depresivos. Las canciones se suceden como pequeñas máquinas hechas para arrasar y quebrantar emociones. La Tejedora por ejemplo, que entre quejidos y gritos cuenta sobre una araña que se desvive por su obra, tanto así que solo conoce la existencia del sol por cómo se reflecta en el polvo del aire. Una metáfora sobre las madres y su incansable labor que continua intacta a pesar del paso del tiempo y los cambios sociales. Misma entrega de la madre de Pobre Nicolás (Nikola Tesla), el cual no alcanza a ver el fruto de sus propios descubrimientos y vivir la gloria que lograron.  Con Lo Que Te Falta nos queda claro que estamos siendo controlados por ese hombre que es Internet, un ser que cada vez nos posee mejor, conoce nuestros más profundos secretos porque los se queda con nuestras búsquedas (“Un hombre guarda tu historial, conoce tu inclinación sexual”) y controla nuestras vidas, tanto así que nos caemos si se cae.

El adorable coro de niños de Alguien Tendrá La Culpa le quita densidad, quizás para hacer más pop la crítica social sobre estas instituciones sin rostro que en el fondo son culpables de tanta atrocidad y problemas sociales. Pero es que a la vez todos nos sentimos víctimas de un sistema opresivo e injusto pero nadie se siente responsable por ello, tan cierto en España como lo es en el Chile de hoy. Otra canción destacable es La Muy Puta en la que vuelca todo el odio y envidia del que es víctima, por su permanencia e inmortalidad. Con un genial e inteligente sentido del sarcasmo se ríe de las críticas que la persiguen en una letra que no tiene desperdicios y que con ingenio y maestría lanza frases como “Quiero vivir siempre, ¡Tengo tanto amor que dar!“  o “Si logran abatirme, no tienes que llorar, también llegaré tarde a mi propio funeral”.

A pesar de la ya mencionada posibilidad de sucumbir ante una leve depresión en los cuarenta minutos que dura este álbum lleno de sonidos oscuritos y electrónica dura y gélida, casi gótica y muy krautrock , Christina nunca abandona los coros empalagosos que quedan todo el día dando vueltas como en Segundo Acto, que habla sobre la dualidad de las cosas y las sorpresas instantáneas de la vida, de cómo en un tris todo puede cambiar, como lo hace el decorado de una obra y el guion de su personaje principal, hasta ese momento “un hombre normal”, que se quedará impávido ante al cambio de circunstancias “La cámara le enfocará y no sabrá que decir. -Este no es mi papel. El guión no era así”.

Lo Nuestro, si bien, propone un cambio en el sonido de la madrileña, tiene episodios conciliadores y espacios luminosos increíbles, cajas de ritmos, guitarras acústicas pianos y destellos disonantes y cacofónicos. Las letras son inquietantes pero se acercan mucho a la perfección lírica en la descripción de esos temas pocos tratados en la música, y mucho menos en el pop. En síntesis un trabajo hecho con bastante precisión y preocupación, lo cual es de agradecer, de parte de una artista que ya va en su quincuagésima (por decir algo) reinvención.

Mis Discos: Björk – Vulnicura (2015)

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Nadie puede negar que la vida y comportamiento de Björk no es de lo más corriente que podamos conocer en el ámbito musical, es originaria de uno de los países más extraños y mágicos que podamos imaginar. Vive en un barco. Una vez agarró a combos en el suelo a una periodista y se la tuvieron que quitar. Ha trabajado de actriz en una de las películas más tristes de la historia. Su lirica es onírica con temáticas surreales del espacio, los elementos  y la convivencia del ser humano con la naturaleza. Su peculiar rostro y excéntrica vestimenta tanto en los escenarios como cuando va a comprar pescado al mercado nos hace verla como una mujer rara y carismática que sale de toda regla establecida, lo que le ha traído más de un problema, como cuando la obsesión que a un fan latino le produjo su imagen lo llevó al suicidio, posterior a enviarle una carta con ácido que afortunadamente fue interceptada a tiempo. Sin embargo y a pesar de toda esta anormalidad tiene una familia, estuvo casada y acaba de romper con su esposo.  ¿Habrá cosa más cotidiana, normal y transversal del mundo que el amor? ella también es humano y por estos día sufre una ruptura tan heavy metal que la llevó a escribir un disco entero al respecto.

Después de 7 discos de estudios (8 si contamos el que grabó cuando tenía 11 años) y un sinfín de rarezas llega a nuestros computadores Vulincura, un disco accidentado, víctima de una de las más emblemáticas filtraciones del último tiempo (hola Madonna). Fue producido por el joven productor venezolano, Alejandro Ghersi, más conocido como Arca que como ya todos saben ha trabajado para el disco de FKA twigs y el Yeezus de Kanye West y de quien Bjork contó hace un tiempo para Pitchfork que a pesar de sus primeras reticencias a trabajar con gente tan fan de ella, logró una conexión perfecta con el latino que dio en el clavo en la musicalización de los sentimientos de cada canción.

En la misma entrevista Björk se sincera, suspira, solloza y hasta derrama lágrimas en medio de ella mientras cuenta que ha sido el álbum más doloroso que ha hecho. Y si decimos que Vulnicura es un fiel registro de su ruptura, no exageramos. Al examinar el arte del disco notamos que cada letra, escritas íntegramente por ella, lleva como encabezado la época en que fue escrita, y como eje central de esta línea del tiempo, el momento en que ella y Matthew Barney se separan. Vulnicura significa en latin literal “rasguño” (vulus) y tratamiento” (cura) y transmite la idea de sanar heridas. Y eso es literalmente, un viaje cronológico por la muerte anunciada de una fructífera y sólida relación amorosa de 13 años y del hacer letras de aquello como terapia de sanación.

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El disco abre con Stonemilker, nueve meses antes de que la relación fracasara por completo. Aunque ya quebrada, Björk desea buscar ese algo que la conecte nuevamente con su esposo, que salve su matrimonio. “A juxtapositioning fate, find our mutual coordinate” es  la frase que abre el disco lo dice todo. Hablando de ella misma como si tuviera su torso abierto, tal cual sale en la portada del disco, (“Who is open chested”) quiere transmitir la sensación del dolor y el desgarro que supone una abertura de tal carácter. Por su parte él, al parecer se cierra a la oportunidad de salvar algo (“Show me emotional respect, oh respect, oh respect”). Por eso, compara esta lucha tan absurda con intentar ordeñar una piedra. La voz de Björk y su pronunciación fonéticamene correcta del inglés viaja por un mar de cuerdas y unos beats lentos y distantes. Porque Vulnicura en muy pocos momentos es musical, o más bien es muy minimalista, las protagonistas son las letras. Así como en Lionsong donde repite el quizás a cada momento: ‘quizás resulte, tal vez él se vaya o quizás deje de amarme’. Cinco meses antes ella no sabe manejar estos sentimientos que alguna vez  fueron tan claros (“these abstract complex feelings, I just don’t know how to handle them”) ¿Debe sanar estas heridas o dejar que sigan abriéndose? Todo está en ascuas, en un incomoda inercia.

Tres meses antes, en History of touches Björk despierta en la noche sabiendo que es la última vez que lo tiene a su lado y recuerda cada caricia y cada relación íntima que tuvieron, con tanta rabia que lo expresa de una manera vulgar (Every single touch, we ever touch each other, every single fuck”). La parte más sexual de esta ruptura es a modo de breve interludio confuso en sonidos que se suceden desordenados e intranquilos para dar paso a una de las favoritas del disco. Black Lake, dos meses después de la ruptura, descritos en la canción más desesperada y creativa del disco, la canción del despecho. La más creativa porque es en donde usa más metáforas y comparaciones. El amor es como estar en un vientre, es en ese espacio donde ella se siente segura pero ahora ya no está en ese lugar, y de ahí los beats a modo de latidos del corazón en la bolsa uterina o quizás copiando las palpitaciones que describe con “I am one woun, my pulsating body suffering being”, ella no está herida, ella ES la herida misma, su cuerpo entero palpita cual lesión que acaba de ocurrir. Él está saliendo de ella dolorosamente, como desgarrando la costura de una tela (“My soul torn apart, my spirit is broken Into the fabric of all, he is woven”), ella se rompe porque él estaba en todo su ser, era parte de ella. Luego hace una referencia a estar en un lago negro, a la ceguera, la oscuridad, totalmente desorientada. Finalmente se describe a si misma como un cohete que ha tocado la  atmosfera y se está quemando inevitablemente. Diez minutos de cuerdas y silencios perfectos entre sonidos de máquina que parecen sacados de Joga.

En Family, escrita 6 meses después de la ruptura, Björk se refiere a su familia como una persona muy querida que ha muerto. Por lo que quiere presentar el respeto correspondiente ante tan sensible fallecimiento y se pregunta: ‘entonces, ¿dónde puedo ir para ofrecer algo, caer de rodillas, dejar flores, poner incienso, prender velas?’. El triángulo de amor está roto, la hija es solo como un amigo que tienen en común, los dos la aman pero entre ellos no. La canción se vuelve dramática musicalmente con cuerdas confusas que suenan entre fuertes golpes mientras ella se pregunta como protegerá a su hija de todo eso. Simplemente desgarrador. Con Notget, casi un año después de la separación se sigue lamentando y sacando lecciones sobre como el amor te  mantiene a salvo de la muerte; que amar y sobretodo el ser amados nos hace eternos, inmortales. Björk se lamenta de que los dos tengan la misma herida pero que a ella parezca dolerle más, pues al igual que en Black Lake a ella le aflige que eso tan sagrado que debían cuidar mutuamente ya no sea del interés de él.

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A partir de este punto deja de registrar el tiempo y cambia el tono de las letras. En Atom Dance, empieza a darse tiempo para la recuperación de su persona. Dice estar avanzando hacia la transformación, como en un baile de átomos dispuestos a curar, dejando respirar la fea herida que se ha causado. Está dispuesta hasta a interpretar esta canción menos íntima y más optimista con un acompañante, la única del disco, junto a Antony Hegarty de Antony and the Johnsons (en una soberbia colaboración) entendiendo que es tiempo de abrirse, de comenzar a respirar o como dice en la parte culmine del tema “Atoms are laughing at last” algo así como el que ríe ultimo ríe mejor. En Mouth Mantra que es una de las más intraquilas junto a la ya mencionada History of touches, a Björk le apena que por culpa de la herida no pudo emitir más palabras, como si la costra de su pecho ahora fuera la de su boca. Esto le llevó sacrificios pero hoy pide a alguien más que se la quite mientras ella promete cantar en el proceso.

Saliendo de todo el contexto que significa hacer un disco sobre la ruptura con Matthew Barney, Quicksand, que cierra el siclo, es una canción antigua, que escribió por allá en 2011 luego de que su madre murió tras una semana en coma luego de una ataque cardíaco. La inserción de este track quizás no sea casualidad y podríamos lucubrar sobre el acordarse de su madre que lamentablemente ya no está para que la contenga en estos momentos de tanta vulnerabilidad pues repite la idea de Black lake sobre estar un poco perdida. Aunque podríamos percibir cierto descuido en la musicalización de Quicksand si ponemos atención vemos un bonito juego en el uso de los  parlantes, que van alternando la voz principal de la que se desprenden pequeños destellos entrando y saliendo de ésta hacia la derecha y la izquierda de nuestros oídos.

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Sanación

Con las repeticiones y el examen de las letras, el álbum va tomando vida y aprecio por parte del oyente. Sin ser un gran fan de Björk entusiasma el hecho de conocer mediante sus más recientes composiciones a una mujer tan esquiva y hermética pero que ha dedicado su vida a la más sincera de sus pasiones, hacer música.

Luego de ser olímpicamente filtrado, Vulnicura tuvo que ser lanzado en un tris por la disquera, por que vendió la exclusiva a iTunes lo cual significa para nuestro pesar que quizás no lo tendremos en Spotify por un largo tiempo, debido a las recientes políticas de exclusividad que la empresa de Steve Jobs está tomando. Esperemos que no sea así y poder poner un banner de escucha muy pronto al final de este post. Por el momento quizás sirva esto.

Canciones Pop: Röyksopp & Robyn – Do It Again (2014)

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Los noruegos y la sueca tienen antecedentes de saber hacer potentes temas, por separado y también en conjunto (The Girl And The Robot de 2009). A principios de este año escuchabamos rumores de una nueva colaboración que al final resultó en un mini LP de cinco canciones y de la cuál se desprende Do It Again, la cual le da nombre al disco también. La letra es sobre la adicción a algo. Puede ser algo inocuo como bailar pero lo cierto es que no parece bueno cuando Robyn canta algo así “No importa lo que digan. Me duele de lo bueno. No quiero parar, aunque se que debería. Pero hagámoslo de nuevo” ¿Drogas?… ¿Y las consecuencias negativas Robyn? Niña mala.

Do it Again es un tema íntegramente dance, synth y electro, con la factura indiscutible de Röyksopp. La fórmula queda completa con la estructura verso, pre-coro, puente y coro el cual se repite. Formula que no es simple azar; el verso es corto y el pre-coro prematuro, tirando proyectiles tanto en la melodía como en la letra para avisar el inminente punto en que debes bailar como si no hubiera mañana.

El video fue grabado en México entre Ciudad de México, Veracruz, Puebla e Hidalgo y según el director Martin De Thurah la idea era mostrar la pasión y el descontrol como concepto en un lugar sin época ni geografía reconocible y por lo tanto, universal.